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One Dollar Bill, el blog de Bill Jiménez, reúne textos y noticias vinculados a sus proyectos editoriales, como el sello Astrágalo, al que pertenecen sus novelas Varón de multiforme ingenio e Hijos de la siega. En One Dollar Bill se dan citan crítica literaria, reseña de clásicos y ficción contemporánea, así como artículos sobre el objeto literario y sus manifestaciones dentro de la industria de consumo.
Había olvidado lo
presente que está la novela realista en la literatura.
Lo advierto a la
que recibo feedback de mis relatos y novelas, cómo ciertos recursos
despiertan desconcierto entre los lectores, en especial, aquellos que vienen de
vanguardias y postmodernidad.
El grueso de lectores y lectoras se acogen a cierta comodidad, a formas de mostrar y desarrollar personajes tal y como los describiría E. M. Foster en su Aspectos de la novela. Ese rollo de los personajes planos y complejos que tanto prolifera en los blogs de consejos para escritores, que si bien tienen cierta razón, resumen una realidad más compleja.
La problemática es que al lector le chirrían la mayoría de estos recursos, y cuando le chirrían, surgen dos grupos. Primero, aquellos que se preguntan por los efectos del recurso en su percepción de la novela. Así, además de disfrutar de la ficción, también reflexionan con los mecanismos que la explicitan. El segundo grupo, más numeroso, tiende a pensar en tales recursos como deméritos, como errores del autor al poner en peligro el confort lector de sus seguidores.
Yo, naturalmente, me posiciono entre los que buscamos el extrañamiento. Gano poco sumándome a las formas clásicas y prolongándolas hasta el fin de los tiempos. Así que, a la que puedo, especio mis relatos con aquellos recursos que les pueden sentar bien a mis intenciones. Porque la intencionalidad va por delante que la propia novela. En el fondo, a la novela, al relato, etc., le sienta bien todo.
Un ejercicio muy de
talleres de novela es el de combinar personajes cuando la coralidad se
te escapa de las manos.
Habrá gente que
esté de acuerdo, ya que si el personaje en cuestión proporcionaba algo que
otros ya hacían, a no ser que la redundancia sea clave en la novela, puedes
eliminarlo.
Otros dirán que el
mundo hay tantas voces como personas, y que el hecho de que todos los
personajes que pasan por el foco del narrador tengan voz y voto es síntoma de
realismo.
Ambas posturas son
correctas. El drama, una vez más, está en los hábitos de los lectores; en el
hecho de si toleran que un personaje descrito al detalle, rico en diálogo, pero
presente en un párrafo dentro de una novela de quinientas páginas, merece
tantas cortesías.
De este brete solo nos saca el narrador, que se verá en la obligación de justificar el protagonismo de esos secundarios de lujo. De no hacerlo, al lector le surgen preguntas que la trama tampoco responde. Al sumarse los huecos, surge ese gesto reflejo de haber sobrevivido al tropezón y mirar el agujero mientras camina, con el peligro de tropezar con un nuevo bache. Hablo del lector y la sensación agridulce que le nace con los errores, o las decisiones que parecen errores. A la que se suman unos cuantos, por muy bien que esté concebida la novela, no se llegará a la sensación de redondez que se espera.
El narrador
omnisciente en el sentido balzaquiano tiene algo de vintage, de herramienta en
desuso que escondía la voluntad del autor por decir la suya. Por encima de
trama y personajes.
Por fortuna –fortuna a la que me adhiero–, la postmodernidad hizo justicia a todos aquellos narradores metomentodos que tratan de recrear los hechos desde la imposibilidad de que no existe recreación 100% fidedigna, ya que, quieras que no, los sentidos y la memoria nos traicionan.
Por ello, los
narradores intrusivos son mal vistos en narraciones de corte épico, al igual
que los narradores no fiables. Deliciosa ironía viniendo de uno de los géneros
más parcialmente políticos de la historia.
Entonces, ¿con qué posición te quedas si te viene en gana emplear narradores intrusivos en tu novela o relato?
Los narradores intrusivos caen en el saco de los narradores extradiegéticos, aquellos externos a la historia con un conocimiento más o menos profundo de esta. A partir de esta profundidad se calculará el grado de empatía sentida por el lector, que puede valorar la interrupción de la fábula en beneficio de informaciones complementarias o sentir que el narrador está metiendo el hocico en el placer de su lectura.
Ambos casos son
válidos literariamente. Tampoco pueden considerarse un demérito por mucho que
el lector medio frunza el ceño; su molestia nace de una problemática aún mayor:
el predominio de la novela realista sobre otras expresiones literarias.
Entonces, ¿de qué
sirve utilizar a los narradores intrusivos o poco fiables en una novela actual?
De mucho, si tus
intenciones pasan por desbaratar la mímesis. Maltratar el supuesto reflejo de
la realidad que es la novela ha sido desde comienzos del siglo XX el propósito
de infinidad de autores. Tampoco lo inventaron, la cosa viene de lejos, pero el
sigo XX cuenta con grandes ejemplos de extrañamiento en ese sentido.
Así, deslegitimar al narrador convencional de una novela de fantasía pone en doble alerta al lector, que tiene que hacer un primer esfuerzo por aceptar la ficción que le están contando y segundos, terceros y hasta cuartos esfuerzos cuando el narrador intrusivo le recuerda que está ante una ficción. En el fondo, la cosa va de hacernos pensar más de la cuenta como lectores.
La Anábasis de Jenofonte es la principal influencia reconocible en El hambre exegética.
En la obra del historiador griego se narra la expedición de los llamados «Diez mil», el número de mercenarios que se unió a la campaña militar de Ciro el Joven contra su hermano, el rey persa Artajerjes II.
Adrien Guignet – La retirada de los Diez Mil
La Anábasis me interesó por dos motivos. El primero, la evolución del protagonista, donde Jenofonte, de «acoplado» en la expedición, acaba por tomar las riendas de esta cuando la cadena de mano sucumbe a las conspiraciones del enemigo. La vuelta a casa resulta penosa, pero también un ejercicio de superación que en El hambre exegética tendrá su reflejo en Claudia, la protagonista, que decidirá entre ser testigo o formar parte de la acción. En la Anábasis, Jenofonte es narrador y personaje presente en la historia, un recurso narrativo que, sin pretenderlo, apunta a ejercicios metaliterarios más recientes.
El segundo motivo que me llama especialmente la atención es la autosuficiencia de los «buenos», desde un primer momento superiores al enemigo. En su contra tienen el número y, a su favor, la habilidad; hecho veraz, pues los hoplitas griegos fueron una de las milicias más efectivas del mundo antiguo.
The Warriors, de Walter Hill
No es la primera vez que el tema de la Anábasis aparece en la literatura, aunque casi siempre en publicaciones de corte histórico. El caso más radical es la novela de Sol Yurick The Warriors, adaptada al cine por Walter Hill. En ella, encontramos la misma premisa: banda callejera que se queda vendida en territorio enemigo. Aademás de defender su honor, tendrán que salvar el pellejo ante otras bandas rivales. Aunque en El hambre exegética hay algo de callejeo, el escenario principal es el mundo editor de Barcelona, o más bien su romantización.
Ediciones Astrágalo es algo así como una editorial independiente en Barcelona, aunque en realidad responde a la vieja etiqueta del «autor/editor», que englobaba a todos aquellos negocios editoriales que invertían parte de sus beneficios en publicar el trabajo de sus fundadores.
Aquí no hay trabajo previo de edición a terceros. Desde un primer momento tuve claro que Ediciones Astrágalo albergaría aquellos proyectos que, decía, guardaba en un cajón a la espera de ser descubiertos por una editorial.
En anteriores entradas de este blog he hablado de ese sueño barra falacia que es aguardar a que una editorial importante llame a tu puerta; también del ejercicio de darles la brasa con un producto que no han pedido. Pienso que ambas prácticas tienen algo de fútil pero también de necesario, ya que alimentan la parte soñadora del oficio, la misma de la que nacen muchas narraciones que acaban en el papel.
El objetivo de este artículo es presentar la nueva tienda online desde la que venderé mis novelas, tanto las físicas como los libros electrónicos.
La idea era crear una tienda sencilla y funcional, ya que el catálogo es de cuatro obras. Básicamente, dispone de una página principal y una ficha de producto por novela. Cada una de estas fichas incluye sinopsis, cubierta, contracubierta y datos técnicos. También reseñas, si existieran, y muestra del primer capítulo o primeras páginas. Las fotos hablan por sí mismas, aunque no tan bien como la propia tienda online de Ediciones Astrágalo. Podéis echar un vistazo en cualquier momento.
El proceso de edición de El hambre exegética ha finalizado. Tras varias pruebas y consultas, la cubierta que adjunto será la definitiva en la novela que veréis en septiembre. Llegar a esta ella no ha sido sencillo; se han descartado diseños con mayor concepto, aunque, eso sí, ha prevalecido la elegancia y sensibilidad que me interesó desde un comienzo.
Conceptos de la cubierta
La cubierta de El hambre exegética trabaja sobre una ilustración obtenida en rawpixel y la tipografía Avantgarde. El contraste entre ambas se vincula a los dos escenarios que aparecen en la novela: las junglas colombianas y la ciudad de Barcelona.
La cubierta también refleja el romanticismo y la mitificación con la que describo a la industria editorial, en la que también se asoma una mención al mítico templo de Nemi de la diosa Diana, conocido por su santuario y las violentas sucesiones de sus sacerdotes.
La contraportada emplea parte de la ilustración y muestra la sinopsis acompañada de un guiño metaliterario: una cita de la revista Elocuencia. Elocuencia es el magazine cultural que sirve de escenario a Varón de multiforme ingenio, mi anterior novela.
Ediciones Astrágalo es un segundo juego metaliterario, el sello a través del que edito mis proyectos. Aparece también en El hambre exegética; es la editorial independiente en la que trabaja Claudia, la protagonista.
Mantener un frente
lector de más de diez novelas simultáneas implica, de tanto en tanto, alguna
que otra grata casualidad.
Hablo de la reciente lectura de la novela de Chris Kraus I love Dick, un artefacto literario que trabaja a distintos niveles, siendo a su vez ficción clásica, obra feminista, novela epistolar y confesión en la línea agustiniana.
Por otra parte,
también estoy enfrascado en la lectura de A contrapelo de Joris-Karl
Huysmans, una novela caracterizada por los nulos giros de su trama, así como la
larga exposición de los gustos estéticos de su protagonista.
Huysmans – Foto por André Taponier
Aquí es donde
confluyen ambas lecturas, en la descripción crítica de la obra de terceros, que
en el caso de Chris Kraus reúne las opiniones de la autora sobre artistas coetáneos,
ya sean en su relación con el feminismo o la cultura judía. Por su parte,
Huysmans repasa la historia creativa del mundo desde tiempos clásicos para
finalizar en aquellos artistas de su tiempo que mejor reflejan el espíritu
finisecular del XIX.
A contrapelo es una obra clave, un eslabón entre la literatura
naturalista y el simbolismo. Tiene algo de trampilla, ya que invita a las
convenciones realistas y naturalistas de la época a que se sometan a una
voluntad cansada de una fórmula obsoleta. Y así, una a una, estas van cayendo
sin interés por recuperarlas en un desenlace que cierre los discursos abiertos.
El ejercicio
crítico que Huysmans realiza con autores como Baudelaire y pintores como Odilon
Redon resulta interesante desde un punto de vista actual. ¿Hasta qué punto es
factible una formato similar en la ficción contemporánea?
Chris Kraus
Si tenemos en
cuenta que, a nivel crítico, el país está es unas horas que, o bien se pueden
considerar bajas o consecuencia natural de políticas heredadas, quizá sea el
momento en el que la ficción ofrezca refugio al arte, al igual que el best
seller lleva años albergando a la divulgación histórica y otras
manifestaciones culturales que suelen dar color a sus tramas.
Trasladado a la
sociedad de consumo, y en un fantaseo de corte utopista, este mismo gesto
podría trasladarse a la televisión, con segundos –pienso que minutos serían
inviables– en los que los protagonistas departen sobre sus obras favoritas, ya
no solo ensalzándolas por los sentimientos estéticos que generan en sus
personas, también evaluándolas críticamente.
En las pocas
ocasiones que se realiza, vemos que los personajes de ficción apuntan sus
opiniones a obras de autores dentro de la misma ficción, por lo que «todo queda
en casa» y el ejercicio se diluye.
A partir de la serie
de HBO Barry (2018-) surgen varias líneas de diálogo con la tradición, tanto
cinematográfica como literaria. Recordemos que Barry sigue el viraje laboral de
un asesino a sueldo; una epifanía radical que le empuja a apartarse de la
violencia metódica en beneficio de otra metodología: la interpretativa. Principalmente,
la serie gira en torno a esta dicotomía, pero también se advierte una recuperación
del género criminal humorístico, que tuvo en los años noventa episodios de
esplendor literario como las novelas de Elmore Leonard.
El mérito de Barry es disponer un mosaico de personajes tipo que ganan en verosimilitud por medio de factores externos, como una reacción radicalmente cotidiana al entorno y el desmantele de las convenciones del género, al modo tarantiniano. De fondo, un mínimo juego metacinematográfico donde se expone la excepcionalidad de personajes –asesinos, mafiosos, militares– y situaciones –cualquier evento que finalice en una muerte violenta–. Así, el espectador bascula entre lo evidentemente ficcional y la mímesis cotidiana, en un equilibrio que resulta ameno y dinámico.
Este balancín de estilos rememora el teatro plautino, tanto por sus estereotipos de la vida romana del siglo I a.C. –con su equivalente actual– como por los diversos registros de lenguaje que aparecen en cada episodio, por lo general, asociados a un personaje específico.
Imagen basada en La cortesana, de Plauto
La oposición de un discurso artificiosamente criminal con uno cotidiano tiene en el lenguaje teatral un eje intermedio que, no solo permite al protagonista entender el mundo del que viene y al que quiere integrarse, también le lleva de una catarsis a otra, con un punto culminante en la primera temporada, con la lectura de Macbeth, donde Barry ve en la locura del rey escocés la propia crisis que experimenta al matar en nombre de la ambición de terceros.
A Harold Bloom le parecería bien inocente el recurso. No sería la primera vez que un guion emplea giros o psicologías shakesperianas –consciente o, en la mayoría de casos, inconscientemente–. Lo importante para este artículo es que conecta con la búsqueda de verosimilitud en la ficción a partir de lo cotidiano. En Macbeth trabaja un mundo de pulsiones muy reales que sostiene sin pestañear un trasfondo de folklore mágico. En Barry, la referencia a redes sociales o el uso de emoticonos es ancla robusta frente a la desconexión de un exceso de armas y su uso indiscriminado.
Yo no sé si está inventado, pero creo que sería una buena idea/experiencia crear un blog de arte con exposiciones falsas y debatir sesudamente sobre obras que no existen y sobre artistas ficticios. El único problema nacería de las imágenes, que tendrían que crearse y, por lo tanto, el proyecto dejaría de ser ficción.
Otra opción es que los textos aparecieran desnudos y las descripciones tuvieran tanto éxito que animaran a diferentes artistas a crear las piezas. Entonces, una vez creadas, podría elaborarse un segundo blog basado en las reviews de esas obras. De este modo, también se generaría un diálogo entre la obra real y la ficticia, si bien no quedaría del todo claro cuál es réplica u original. Naturalmente, un tercer blog debatiría al respecto de esta paradoja mimética.
Si la autoedición ya de por sí despierta demasiados prejuicios externos, peores son los internos, los que el autor asume como ciertos hasta el punto de retornar sus manuscritos al cajón donde, románticamente, los escritores guardamos nuestras obras no publicadas.
Si bien es cierto que los prejuicios internos presentan una base exterior –la idea ha surgido de algún sitio–, al integrarlos se convierten en miedos que solo tú podrás combatir.
Autoeditarme me cerrará las puertas de las editoriales
Es falso. Las puertas de las editoriales están cerradas a todo el mundo. Solo pueden abrirlas aquellas personas directamente vinculadas a la editorial o las que, debido a una serie de causalidades (amistad, recomendación, etc.), reciben la invitación a pasar.
Las editoriales, al menos las que ya tienen ambos pies en este milenio, despliegan otros mecanismos para llegar a los autores. Los grandes grupos cuentan con empleados que realizan este trabajo o confían en las agencias, que representan a la externalización de tales funciones.
Por su parte, las pequeñas editoriales, incluso las que se consideran independientes, trabajan con unos calendarios de publicación medidos al milímetro. Son gente que ha realizado una importante inversión y trabajan sobre seguro –con la hipotética seguridad que ofrece el sector–, no esperan sentados a que les lleguen los manuscritos que les harán millonarios. Sería un suicidio económico.
La autoedición me resta seriedad como escritor/a
Mala cosa. Si piensas que la autoedición será dañina para tu “carrera”, entonces ni lo intentes.
La autoedición lleva siglos en funcionamiento, con mayor o menor visibilidad según la época, aunque es cierto que en los últimos siglos, en directa relación con el asentamiento del capitalismo y sus mercados, se ha vuelto un ejercicio minoritario y hasta cierto punto underground.
El poeta William Blake autopublicó algunos de sus principales trabajos. Desde la escritura a la impresión, pasando por las ilustraciones y el posterior coloreado.
Aunque la edición de libros convencional emplee sujetos, recuerda que esos sujetos y sus obras son productos, así que, en caso de convertirte en el próximo bombazo literario de la década, tu bagaje autodidacta te beneficiará. Serás un caso de éxito que otras tantas personas tendrán en cuenta a la hora de dar a conocer sus propios proyectos.
Olvida la imagen del autor de sanctasanctórum, el intelectual que cuando habla sube el pan. O pertenecen a otra época o a ambientes académicos que nada tienen que ver con la industria del entretenimiento a la que se adhiere el grueso de la literatura actual.
Autoeditarme desperdiciará mi novela
Es probable, ya que una vez la edites y la difundas perderá todo su valor para las editoriales. Incluso aunque sea un hit y la reedición en un sello con más alcance fuera factible, es probable que ningún editor la quiera en su catálogo.
Cuando decidí autoeditarme, principalmente en el caso de Varón de multiforme ingenio, sabía que la novela jamás entraría en el circuito. Y bien que hice, porque mientras la mantuviera en el dichoso cajón, seguiría revisándola, cambiado comas y buscando sinónimos que, a modo de fórmula mágica, la hicieran más atractiva.
En el momento en que editas tu novela, adiós muy buenas, pasas a otros temas.
Se supone que te gusta escribir, que las ideas se acumulan en tu cabeza a la espera de plasmarlas sobre el papel. Si tu relación con el mundo editorial consiste en pegar el zambombazo y, ya animado, ponerte a escribir de nuevo, pasarán años y años hasta que se te presente la oportunidad.
Las historias de autores prestigiosos que sufrieron hasta cien rechazos de sus novelas son solo eso, anécdotas que alimentan blogs literarios.
n conclusión, al escritor no lo hacen sus libros publicados en las grandes editoriales, sino el grueso de su carrera, el discurso que plantea a lo largo de sus obras. Artes como el cine tienen esta realidad mejor integrada y todos aceptamos los cortos amateurs de un director como parte de su trayectoria. La autoedición es un ejercicio similar, radica en la necesidad de empezar a contar tus historias ya y encontrar a aquellas personas que serán tu público.
El siguiente post de mi improvisada serie sobre autoedición gira en torno al diseño de la cubierta de tu libro. Dije en un artículo anterior que la maquetación del libro podía ser, hasta cierto punto, sencilla. La cubierta adquiere un cariz distinto.
Cómo diseñar la cubierta de un libro siendo un autodidacta
La clave para que tu cubierta luzca llamativa radica en la profesionalidad que pongas a la tarea. Entiendo que desconoces el oficio de diseñador pero que eres capaz de arremangarte y aprender ciertas nociones del Photoshop, InDesign o sus equivalentes gratuitos (que obtienen idénticos resultados).
Una vez invertido ese tiempo, ha llegado el momento de conceptualizar el trabajo. ¿Por dónde irán los tiros? ¿La cubierta reflejará el contenido del libro o el título, o no piensas darle al coco y simplemente quieres hacer de tu libro un objeto atractivo?
En ‘Follow this thread’, el diseño de Elena Giavaldi trabaja con el concepto de laberinto y el mito del hilo de Ariadna.
En todos los casos, tiene que existir coherencia. Si tu libro trata sobre relaciones familiares, recurre a elementos que evoquen familias. Si estas relaciones son agridulces, trabaja con colores fríos. Reduce a una mínima expresión los elementos que se pasearán por la cubierta y pronto tendrás dos o tres ideas fuertes con las que trabajar.
Eso sí, evita que sean más de dos o tres, pues un exceso de conceptos puede dañar el mensaje. Recuerda que eres un amateur. Deja la catedrales góticas a los profesionales.
Elementos que automáticamente harán tu cubierta más atractiva
Si por mucho que lees sobre teoría del diseño o del color, el resultado sigue apestando, apuesta por las imágenes.
Las fotografías nunca fallan. La industria literaria tira de ellas constantemente. Sí que es cierto que trabajan mucho sobre el collage de fotos, pero no debería preocuparte; con una foto vistosa y unas tipografías bien integradas, será suficiente.
Ejemplo de fotografía e integración de la tipografía. Diseño de Rob Grom.
Rebusca por webs como Unsplash y otras tantas que trabajan con fotografías naturales y procesadas (los filtros cálidos que otorgan a las imágenes ese aire vintage que no pasa de moda). Además, la mayoría de estas fotos ya incluyen cierta narrativa que podrás explotar. Selecciónalas por temáticas y, una vez más, ten en consideración título y contenido.
El segundo elemento clave son las tipografías. Evita las que habitualmente empleas e invierte otra hora en seleccionar unas cuantas de repositorios como Dafont, Google Fonts, etc. El segundo es muy útil aunque incluya numerosas tipografías orientadas al diseño web (más que el editorial). No te olvides de escoger aquellas que incorporan acentos, por si quisieras emplearlas en notas de prensa o en tu página web de autor.
La parte de la integración de estos dos elementos es la más complicada de todas. Antes de enrollarme más, considera lo siguiente a la hora de diseñar la cubierta de un libro:
Escoge fotografías con marcados contrastes. Podrás aprovechar las zonas oscuras para ubicar tu nombre y el título de la obra.
Evita que el título parezca enganchado a la imagen con cambios de opacidad en las letras o la aplicación sutil de texturas que hermanen ambos niveles.
Ten en cuenta la temática del libro a la hora de seleccionar las tipografías. Algunas aluden inconscientemente a ciertos géneros.
La imagen que escojas puede hacer llorar de emoción o de miedo.
Y no tendrías que preocuparte de mucho más, salvo de aplicar el estilo que has decidido al lomo y a la contracubierta. Si la fotografía era apaisada, aprovéchala y que cubra por completo el libro. Eso sí, cuidado con el lomo; te interesa que el título esté bien visible.
En mi experiencia, abogo por un lomo de color blanco o un color claro en relación con los colores empleados en la cubierta. Evita el fondo negro, a no ser que la tipografía sea lo bastante llamativa como para contrastarlo. Tampoco trabajes con colores puros. En el caso del citado negro, bájale sutilmente el tono para que no cante tras la impresión.
Estaremos de acuerdo que el principal objetivo tras la autoedición de un libro es el placer de contemplar la obra en un formato sólido, tradicional y vendible.
Los cántaros de la lechera llegan después, cuando especulas con el éxito de la novela, ensayo, poemario, etc. y sientes el cosquilleo de la fama y la riqueza en el cogote.
Como abogado del diablo, rol en el que me siento cómodo, ya te puedo asegurar que la mayoría de esas pretensiones son carencias afectivas. En la actualidad, que yo sepa, el grupo de escribientes que se gana la vida con la producción de ficciones es mínimo. Casi siempre son figuras que pululan por realidades periféricas a la literatura, como la docencia (otro terreno donde tampoco llueven los millones) o el periodismo, donde agentes y editoriales reparten a sus protegidos por la prensa y otros canales. Y la verdad es que no tiene nada de malo, es una realidad. Una de muchas que, si las asumes, te permiten enfocar las fuerzas en direcciones más productivas.
Primer consejo: la autoedición cuesta dinero
Seguimos con las malas noticias. Si la edición de libros trabaja con márgenes pequeños, ¿de qué sirve invertir mis ahorros en ella?
Volvemos a la satisfacción personal, al gesto irónico, muy en la onda de Schlegel y sus compañeros románticos de ir a por los grandes abstractos a toda costa, aunque sepamos que es imposible aprehenderlos con nuestra limitada percepción del mundo. Con este ejercicio ocurre lo mismo, sabes que es una causa en la que vas a palmar pasta aunque, si te lo montas bien, probablemente la recuperarás con los ejemplares que vendas durante el lanzamiento y los ejemplares que coloques en plataformas de edición digital. Es un goteo, un proceso lento, no exento de agradables sorpresas.
Friedrich von Schlegel
Cuando digo que la edición cuesta dinero hablo de los costes que un producto bien finalizado implica. Sabrás escribir bien y puede que sea la quinta revisión de la obra que hagas, pero nunca estaría de más recurrir a un profesional que revise el resultado. Lo mismo puede decirse de la cubierta del libro y otros factores del proceso de producción en los que seas menos ducho.
Naturalmente, puedes encargarte tú misma de las diferentes fases de la edición. Todo dependerá del tiempo que emplees para formarte y, naturalmente, y volviendo al diseño de la cubierta, el talento que muestres para estas facetas que nunca te planteaste explorar.
Hasta los hombres orquesta tienen que comprar instrumentos, así que, por mucho que sepas de corrección, de diseño editorial o de marketing, se te pueden ir, como mínimo, unos 200-300 euros en la edición de cincuenta ejemplares. ¿U olvidaste que las novelas impresas requieren un ISBN?
Segundo consejo: la autoedición cuesta tiempo
Pero nunca será tanto como el que invertiste al escribir tu novela.
Maquetar un libro de ficción está entre las tareas más sencillas para un profesional del diseño. Repito: un profesional. En tu caso, que lo serás temporalmente y por necesidad, la cosa puede requerir unos días más.
Hablo de sencillez porque el libro de ficción tradicional no suele trabajar con imágenes interiores. Tampoco presenta múltiples estilos salvo los habituales y presentes en texto y títulos.
El mayor desafío lo plantean las herramientas que emplearás. Cualquier software, ya sea de pago o de licencia libre requiere de un aprendizaje. Olvídate de la empatía que mostramos hacia la tecnología. Hay gente con años de experiencia en el uso de InDesign, todo lo que consigas “trasteando” jamás estará a la altura de un resultado profesional.
Otra fuente de inversión de tiempo son las necesarias correcciones de la novela. El ir punto por punto, coma por coma, tras los gazapos. En caso de que cargues con la responsabilidad, ten en cuenta que revisas un texto que ha nacido de tu cabeza, tienes claro lo que quieres explicar, así que es sencillo pasar por alto un artículo o una coma que debería estar ahí. Otro factor en contra es la pérdida de atención que hemos experimentado tras años de consumo de textos en Internet, la famosa lectura en diagonal que puede que estés haciendo con este artículo.
Mi consejo es que trabajes con un calendario, que establezcas fechas y todo eso. No eres una editorial, autoeditar tu novela es algo secundario. Tienes familia, trabajo, incluso resacas a las que atender, así que, asúmelo, el toro te pillará a la que bajes la guardia. Otra cosa es que te lo tomes en plan “lo importante es el camino”.
Tercer consejo: la autoedición es un proceso de aprendizaje
Probablemente, tu primera obra editada no saldrá tan bien como esperas. Siempre aparecen sorpresas de última hora que, aunque irritan en su momento, a la larga se convierten en experiencia.
Con la segunda novela que publiques. Surgirán imprevistos que no contemplaste en la primera, así como dolores de cabeza nuevos y otros que dieron muchísima guerra anteriormente y que ahora pasan como gajes del oficio.
